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작성일 : 25-08-17 01:33
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루브르 박물관은 매번 짧은 일정으로 파리 출장을 갈때마다 시간이 부족해 찾지 못했던 곳입니다. 입장에만 1시간이 걸리다보니, 충분한 시간을 쓰지 않으면 입장만 하고 쫓기듯 나오기 십상인 탓도 있었습니다.
그러다보니 첫 출장이었던 2009년 이후 무려 16년만에 다시 가게 되었습니다. 기억은 백지처럼 깨끗하게 지워져서, 마치 처음 방문한 것 같더군요. 저는 이 뮤지엄에서 온전한 하루를 보냈습니다.
루브르 박물관의 소장품에 관한 이야기를 하려면 책 한 권을 써도 부족합니다. 고르고 골라서 제 눈에 특별했던 작품들만 추려서 이야기해볼까합니다. 스크롤의 압박은 미리 사과드립니다!
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루브르 박물관의 상징인 유리 피라미드. ⓒ김슬기
지상 최고의 뮤지엄, 루브르 박물관
루브르 박물관(Musee du Louvre)을 만나러 가는 날, 아침부터 마음을 단단히 먹었습니다. 하루비상장주식거래사이트
전까지 다른 전시 10여개를 보는 모든 일정을 마무리하고, 이곳에 가는 날은 하루를 통째로 비워두었습니다.
루브르 박물관은 1주일에 두 번 수요일과 금요일에 야간 개장을 합니다. 저는 오전 9시부터 밤 9시까지 개장하는 금요일 아침 일찍 박물관의 입구를 찾아 달려갔습니다. 제법 부지런히 움직였다 싶었는데도 어림도 없더LG유플러스 주식
군요. 이미 9시 정각에 입장줄은 100미터가 넘게 서있었고, 저는 30여분을 기다려 입장에 성공했습니다. (팁을 하나 드리자면, 1년 365일 붐비는 이 곳에서 가장 여유로운 관람은 수요일 야간 개장때 입장을 하는 겁니다.)
모든 것이 낯설더군요. 유리 피라미드 입구 대신 지하 입구를 선택해 들어섰더니 그곳은 공항처럼 카페와 쇼핑몰로 가바다이야기모바일
득했습니다. 소지품 검사를 겨우 마치고, 세 개로 나뉜 건물로 오르는 에스컬레이터의 갈림길에 섰습니다. 루브르 박물관은 리슐리외(북쪽), 쉴리(동쪽), 드농(남쪽) 세 개의 윙이 있습니다. 세 전시관의 이름은 각각 앙리 4세의 재상 쉴리, 루이 13세의 재상 리슐리외, 루브르 박물관 초대 관장 드농의 이름을 붙였습니다.
일반적으로 유명한 내일장전망
작품이 집중된 드농 윙으로 입장해 동쪽, 북쪽으로 향하는게 지름길로 알려져 있죠. 밀로의 비너스, 승리의 여신 니케상, 함무라비 법전, 안토니오 카노바의 프시케 조각 같은 대표작을 지름길로 만나본 경험이 다들 있을겁니다. 하지만 저는 드농 윙을 마지막으로 남겨두고, 반대 방향으로 관람을 시작했습니다.
말도 안될 정도로 많은 인파 덕분에 입장을 하기도 전에 이미 지쳐있었지만, 내부에 들어서는 순간 그 피로가 사라졌습니다. 이상한 나라의 앨리스처럼, 다른 세계로 여행을 온 것 같았습니다.
루브르 박물관은 모든 면에서 세계 최고입니다. 박물관은 면적은 360,000㎡로 세계 최대를 자랑합니다. 2024년 관람객수는 870만명을 기록했지만, 매년 약 900만명이 찾는 세계 1위의 방문객수를 지키는 곳입니다. 2018년에는 세계에서 한 해 1000만명을 넘긴 유일한 박물관으로 기록되기도 했었죠. 휴일을 감안해도 약 3만명이 매일 입장을 한다는 얘깁니다. 2024년부터 입장료도 17유로에서 22유로로 올렸으니, 얼마나 천문학적인 예산으로 연구가 이루어지는 기관일지 짐작이 가능합니다.
소장품의 수도 약 50만점에 달하는데, 현재 상설 전시 중인 작품만 3만5000여점에 달합니다. 입장객의 77%가 해외에서 오고 있으니, 루브르 박물관은 미슐랭 3스타와 같은 곳입니다. 이 곳 하나만을 방문하기 위해 여행을 떠날 가치가 있다는 뜻이죠.
지금은 미술의 궁전이 되었지만, 이 박물관의 기원은 1200년대로 거슬러 올라갑니다. 필립 2세 왕이 센강변에 군사 요새를 지었고 14세기에는 왕궁이 됩니다. 1546년 프랑수아 1세가 르네상스풍의 웅장한 궁전으로 재건축을 하면서 지금의 외관을 갖게 됐죠. 1682년 루이 14세가 베르사유 궁전으로 거처를 옮기면서, 이 곳은 왕실 예술품 보관소와 아카데미 공간으로 주로 쓰이게 됩니다.
루브르 왕궁이 용도를 바꾸게 된 것은 1789년 프랑스 대혁명 때문입니다. 왕이 쫓겨나면서, 박물관이 되죠. 이전에는 왕궁의 일부가 갤러리로 쓰이다가, 전체가 박물관으로 확장된 겁니다. 왕족과 귀족, 성직자들의 수집품을 포함해 나폴레옹 황제의 전리품까지 국가 재산으로 귀속시켜 시민에게 공개했습니다. 정말 혁명의 나라답죠.
특히 나폴레옹은 이집트 원정 당시 167명의 학자와 예술가를 동행시켜 고대 이집트 유물들을 대량 수집했습니다. 스페인, 오스트리아, 네덜란드, 이탈리아 등지에서 가져온 전리품까지 더해져 루브르는 세계에서 가장 아름다운 박물관이 될 수 있었죠. 이곳은 그야말로 세상의 모든 예술품을 소장한 곳입니다. 기원전 7세기부터 서기 1850년까지의 조각, 장식, 도자, 회화 등 모든 장르와 모든 대륙의 예술품이 모여 있습니다.
저는 실내 조각 정원으로 조성된 스튜디오(The Studio)를 통과해 리슐리외 윙으로 들어섰습니다. 0층의 메소포타미아-이란 조각을 거쳐, 1층의 유럽 장식미술을 빠르게 지나쳐 목적지인 2층을 향합니다. 북유럽 회화와 프랑스 회화관이 오전 시간을 보낼 공간이었습니다. 숨이 막힐 정도로 관람객이 많은 이 뮤지엄에서 가장 한적한 곳은 오전의 리슐리외 윙입니다.
도축된 소 그림이 그렇게 위대한 작품이라고?
마리아 데 메디치 연작이 걸린 루벤스의 방. ⓒ김슬기
루브르 박물관의 베르메르는 작고 귀엽다. [레이스 뜨는 여인](왼쪽)과 [천문학자] ⓒ김슬기
북유럽 미술을 대표하는 화가는 피터 폴 루벤스입니다. 유럽의 어느 미술관을 가도 너무 많은 작품이 있다보니, 오히려 저평가받는 화가죠. 하지만 루브르의 리슐리외윙에서 루벤스의 존재감은 특별합니다. 마리아데 메디치 연작이 걸린 거대한 루벤스의 방은 모두를 경탄시키는 공간입니다.
뤽상부르 궁전은 16세기 루이 13세의 어머니인 마리아 데 메디치를 위하여 지어진 곳입니다. 마리아는 루벤스에세 1621년 자신의 생애를 모두 담는 24점의 그림을 의뢰해 궁전의 날개를 장식했습니다. 마리아의 삶의 투쟁과 승리를 묘사하는 그림 속에는 그리스의 신들이 등장하고 그녀의 삶은 신격화되죠. 한 사람을 위해 이토록 영웅적인 묘사를 한 거대한 회화 프로젝트는 없을 겁니다. 루브르 박물관에 옮겨진 이 연작을 통해 한 사람의 인생보다도, 예술이 더 오래 살아남는다는 걸 배웁니다.
네덜란드 황금시대의 회화는 양적으로나 질적으로나 정말 엄청납니다. 네덜란드의 대표적 국립미술관을 모두 다녀왔지만, 프랑스에 더 많은 작품이 있는 것 같았습니다. 피터르 더 호흐의 위트 있는 그림과 프란츠 포스트의 신대륙의 풍경화를 보고, 정교한 정물화와 부유층들의 초상화를 보고 나자 요하네스 베르메르의 두 점이 나란히 걸린 방이 나타났습니다.
<레이스 뜨는 여인(The Lacemaker)>(1669-70)은 정말 작은 소품이었는데도 색색의 실뭉치와 여인의 손 끝을 정밀하게 묘사한 솜씨가 대단했습니다. <천문학자(The Astronomer)>(1668)는 과학 혁명기를 살았던 이 17세기 화가의 관심사가 잘 드러나는 작품이더군요. 지구본을 연구하는 남자는 재미있게도, 편지를 읽는 여인 등 베르메르의 다른 작품과 모델만 달라 보일 정도로 동일한 구도로 묘사됩니다. 베르메르는 지독한 ‘왼얼사’(왼쪽 얼굴을 사랑하는) 화가입니다.
Rembrandt, Harmensz. van Rijn [Bethsabee au bain tenant la lettre du roi David], 1654 ⓒMusee du Louvre
Rembrandt, Harmensz. van Rijn [Le Boeuf ecorche], 1655 ⓒMusee du Louvre
북유럽 미술은 걸작들이 즐비한 이 곳에서 인기 있는 컬렉션은 아니지만, 렘브란트의 걸작 두 점은 놓쳐선 안됩니다. 성경에서 다윗을 유혹하는 밧세바는 과거에는 흔히 매력적인 팜므파탈로 묘사되곤 했습니다. 하지만 렘브란트의 <다윗 왕의 편지를 들고 고민하는 밧세바>에서는 자신의 유혹이 초래한 치명적인 결과를 고민하는 매력적이지 않은 여성으로 묘사됩니다.
오늘날에는 과거와는 달리 밧세바를 권력자에 위력에 의한 강간 피해자로 보는 해석이 더 많습니다. 시대를 앞서간 렘브란트는 밧세바를 피해자로 이상화되지 않은 누드로 묘사하죠. 렘브란트의 위대한 업적 중 하나입니다.
거장의 초상화들의 사이의 낯설고도 기이한 작품은 <가죽을 벗긴 소>(1655)입니다. 길이가 1미터도 되지 않는 이 그림은 후대에 가장 큰 영향력을 끼친 렘브란트의 유산입니다. 도축된 동물 그림은 당시 네덜란드 정물화의 전통의 범주에 포함됩니다. 죽음을 기억하라는 ‘메멘토 모리’를 주제로 삼은 것이죠.
자세히 들여다보면 이 고깃덩이를 슬쩍 엿보는 하녀의 존재가 이 그림이 정물화가 아닌 풍속화임을 알려줍니다. 이 그림에는 비밀이 있습니다. 성경 누가복음의 ‘탕자의 비유’를 묘사한 겁니다. 탕자가 돌아오자 아버지는 살찐 송아지를 잡아 성대한 잔치를 열었죠. 거꾸로 매달려 피를 흘리는 살찐 송아지는 마치 십자가에 걸린 것 같습니다. 자신의 육체를 제물로 바친 예수의 상징입니다.
지금 보아도 충격적인 이 그림은 예술가들에게 엄청난 영향력을 끼치게 됩니다. 200년 동안 이 끔찍한 그림은 아무도 원하지 않는 그림이었습니다. 루브르 박물관은 1857년 단돈 5000프랑의 헐값에 경매에서 사들였는데요. 놀랍게도 이후 들라크루아, 도미에, 사임 수틴(Chaim Soutine) 등이 영감을 받아 푸줏간 그림을 그렸습니다. 그리고 유명한 프란시스 베이컨의 이노센트 교황의 초상화에도 이 고깃덩이가 등장하죠. 죽음이야말로, 예술의 영원한 탐구의 대상입니다.
Caspar David Friedrich [L‘Arbre aux corbeaux], 1822 ⓒMusee du Louvre
리술리외 윙에서 독일 회화도 만납니다. 카스파 다비드 프리드리히의 작은 그림 <까마귀가 있는 나무>(1822)에는 죽은 떡갈나무 그루터기 위로 까마귀들이 날고 있죠. 이 그림은 풍경화가 아닙니다. 절벽과 바다, 수평선은 과거에 그가 그렸던 각각의 다른 풍경화의 장소를 혼합해 재창조된 겁니다. 창문도 없는 아틀리에에서 그는 내면의 목소리를 듣고 이 까마귀가 있는 풍경을 만들어냈습니다. 이 작은 그림은 피에트 몬드리안의 나무 그림과 검은 선에 영향을 준 작품입니다.
리슐리외 윙에서 17세기까지의 회화를, 연결된 쉴리 윙에서는 18세기 이후의 회화를 만날 수 있는 프랑스 회화관은 컬렉션이 정말 방대합니다. 니콜라 푸생, 카미유 코로, 테오도르 제리코, 외젠느 들라크루아 등으로 이어지는 컬렉션의 끝에는 특별한 대접을 받으며 별도의 방이 있는 화가가 한 명 있습니다.
Georges de La Tour [La Madeleine a la veilleuse dite La Madeleine Terff], 1642/44 ⓒMusee du Louvre
조르주 드 라 투르(1593∼1652)는 프랑스의 대표적 ‘카라바지스티’입니다. 카드놀이를 그린 <사기꾼> 같은 소재를 보면 쉽게 알 수 있죠. 카라바조의 수많은 대표작에 등장하는 막달레나 또한 여러번 그렸습니다. 그의 그림에서 빛과 그림자의 사용은 더 극적으로 이루어집니다. 그림 속에 반복적으로 등장하는 촛불을 통해서입니다. <연기 나는 불꽃을 보는 막달레나>(1640)는 이 화가의 대표작입니다. 십자가와 밧줄, 죽음을 상징하는 무릎의 해골이 그림 속에 보이죠. 따스한 불빛은 그녀의 침묵을 신비롭게 만듭니다.
17~18세기 화가들의 칠흑처럼 어두운 그림들을 연속해 만나면서 생각해봅니다. 이들이 역설적으로 빛을 얼마나 사랑했는지를. 골방에 틀어박혀 빛을 그린 이들은 훗날 인상주의와 외광파 화가의 탄생을 예고하는 것처럼 보였습니다.
모나리자보다 더 유명했던 여인의 운명
19세기 프랑스 걸작을 만날 수 있는 19세기 프랑스 회화관. ⓒ김슬기
[모나리자]의 수난 ⓒ김슬기
프랑스 왕실의 보석이 가득한 호화로운 아폴론 갤러리를 통과하고, 저는 마침내 드농 윙에 도착했습니다. 늦은 오후가 되어서 녹초가 된 상태로 말이죠. 드농 윙에는 루브르 박물관의 정수가 모여있습니다.
북쪽의 19세기 프랑스 회화관과 남쪽의 이탈리아 회화관으로 쓰이는 그랑 갤러리(Grande Galerie)가 연결되어 있습니다. 두 공간을 잇는 방에 <모나리자>가 걸려 있죠. 제가 오전에 있었던 공간과 같은 박물관인가 싶을 정도로 사람이 많았습니다. 자연광이 스며드는 이 거대한 두 개의 복도는 미술의 신전처럼 웅장합니다.
의심의 여지없이 루브르 박물관의 명성을 지탱하는 건 그랑 갤러리의 르네상스 미술 컬렉션입니다. 원래 그랑 갤러리는 왕실 행사를 위한 공간이었습니다. 17세기 초에는 루이 13세의 유년시절에 놀이방으로 사용되었고, 왕자의 즐거움을 위해 살아있는 여우가 선물되기도 했다고 합니다.
삼부작을 각각 런던 내셔널 갤러리, 피렌체 우피치 미술관과 나눠 갖고 있는 파울로 우첼로의 <산로마노 전투>를 만나며 회화관을 입장하게 됩니다. 산드로 보티첼리의 빌라 마르셀리를 장식했던 벽화도 옮겨져 벽에 걸려 있었습니다.
이밖에도 미켈란젤로 부오나로티, 라파엘로, 틴토레토, 베로네제, 안토니오 카라치 등 역사상 가장 위대한 르네상스 예술가들의 거의 모든 대표작이 이 거대한 복도에 집결해있다고 해도 과언이 아닙니다. 여기에는 역사상 가장 유명한 화가, 레오나르도 다빈치의 5점의 원화가 포함됩니다.
<모나리자>는 이날도 수난을 겪고 있었습니다. 관람객이 가장 많은 오후 시간이긴 했지만, 수백명이 사진을 찍으려 줄을 서서 기다리고 있어 가까이 가볼 엄두도 내지 못했습니다. 16년만의 만남인데, 곁눈으로만 인사를 하니 아쉽더군요. 대신 놀라울 정도로 상대적으로 인기가 적은 다빈치의 다른 초상화를 실컷 보고 왔습니다.
Veronese [Les Noces de Cana], 16세기 ⓒMusee du Louvre
모나리자의 맞은 편에는 그림폭만 10미터에 달하는 미술관의 가장 큰 회화도 걸려 있습니다. 베로네제의 <가나의 결혼식>입니다. 원래 베니스의 산조르조 마조레 성당에 걸려 있던 그림을 나폴레옹와 약탈해 오면서, 프랑스에 걸려 있게 된 작품입니다. 그림 속 인물이 너무 많고 사실적이어서, 정말 르네상스 화가들은 혹독한 노동을 했구나 싶었습니다.
<모나리자>를 만나고 그랑 갤러리로 다시 나오면 내셔널 갤러리 소장품과 쌍둥이 작품인 <암굴의 성모>을 비롯해 <세례 요한>, <성모 마리아와 아기 예수, 성 안나>가 나란히 걸려 있습니다. 섬세한게 스푸마토 기법으로 그려진 초상화들에서는 거장의 아우라가 느껴졌습니다.
그 옆에는 모나리자 보다도 작고(62×44cm) 신비로운 여인의 초상이 하나 더 있습니다. 모나리자의 명성에 가려진 <페로니에르를 한 아름다운 여인(La Belle Ferronniere)>(1490/97)은 2인자의 설움을 겪고 있더군요. 그림 속 여인의 정체는 알려지지 않았지만 다 빈치가 몇 년 동안 일했던 밀라노 공작 루도비코 스포르차의 정부인 루크레치아 크리벨리였을 가능성이 있습니다.
페로니에르는 이마에 쓰는 장신구를 뜻하는 말인데요. 이 그림이 원제인 ‘여인의 초상’ 대신 ‘페로니에르’로 불리게 된 사연이 엉뚱합니다. 장 오귀스트 도미니크 앵그르의 실수에서 유래했거든요. 그가 초상화의 사본을 판화로 그리는 과정에서 이 그림에 ‘페로니에르’라 이름을 붙였고 이 인쇄물이 퍼지면서, 가짜 이름이 더 유명해진 겁니다.
19세기까지 루브르 박물관의 슈퍼 스타는 ‘페로니에르’였습니다. 그림의 인기는 놀랍도록 많아서 대중들이 쏟아져 들어오게 됩니다. 박물관은 전시 공지에 ‘잘못된 이름이 붙었다’고 알려야 했습니다. 페로니에르의 인기에 가려 있던 모나리자는 20세기 초가 되어서야 비로소 주목을 받기 시작했습니다.
Leonard de Vinci [Portrait de femme, dit a tort La Belle Ferronniere], 1490/1497 ⓒMusee du Louvre
19세기 프랑스의 악동, 테오도르 제리코
Theodore Gericault [Le radeau de la Meduse], 1818/1819 ⓒMusee du Louvre
Eugene Delacroix [Le 28 juillet 1830. La Liberte guidant le peuple], 1830 ⓒMusee du Louvre
그랑 갤러리와 나란히 북쪽에 자리 잡은 복도에는 프랑스 회화관의 초대형 걸작들이 펼쳐집니다. 작품이 너무 많아서 일일히 작가와 이름을 꼽기도 힘들 정도입니다. 그 중에서 가장 많은 사랑을 받는 작품은 프랑스의 19세기 회화를 상징하는 세 작품이죠. 자크 루이 다비드의 <나폴레옹의 대관식>, 테오도르 제리코의 <메두사의 뗏목>, 외젠느 들라크루아의 <민중을 이끄는 자유의 여신>입니다.
나쁜 남자를 좋아해서인지 저는 테오도르 제리코의 <메두사의 뗏목>이 가장 끌리더군요. 테오도르 제리코는 악마적인 재능을 가진 화가였습니다. 그는 부유한 상속자였고, 주문을 받지 않고도 자유롭게 그림을 그릴 수 있었습니다. 고전주의 화가들과 달리 그는 신화, 영웅도 아닌 살아있는 인간을 그렸습니다.
제리코는 1819년 살롱에서 이 거대한 그림을 선보였습니다. 최근 프랑스 선박의 난파 사고를 실화를 바탕으로 그린 극적인 회화였죠. 난파선의 150명의 사람들이 작은 뗏목을 타고 13일을 표류하다 갈증, 굶주림, 질병으로 식인을 한 끝에 겨우 15명만이 살아남은 사건입니다. 대중에게 충격을 준 사건의 충격만큼이나 그림의 충격도 대단했습니다.
제리코는 8개월 동안 그림을 그리면서, 생존자들을 만나고 시체를 보기 위해 병원을 찾아 죽어가는 사람들을 관찰했습니다. 냉혹한 사실주의 그림에 비평가들은 분노했죠. 메두사호 선장은 왕정 복고 이후 새 정치세력이 임명한 인물이었고, 정치적 비판의 메시지가 담긴 이 그림은 한동안 구매자를 찾을 수 없었습니다. 논란의 그림은 화가가 사망한 직후인 1824년에 루브르 박물관에 입성했고, 결국 낭만주의 대표작으로 프랑스인의 사랑을 받게 됩니다.
Girodet de Roucy-Trioson [Atala au tombeau], 1800/1825 ⓒMusee du Louvre
Paul Delaroche [La jeune martyre], 1854/55 ⓒMusee du Louvre
다비드의 <마라의 죽음>과 들라크루아의 <그랑 오달리스크>와 같은 교과서 속 명작도 존재감을 뽐내고 있었습니다. 지로데 트리오종의 <아탈라의 매장>도 눈을 사로잡는 작품입니다. 다비드의 제자인 트리오종의 낭만주의 회화 대표작이죠.
런던 시민들이 좋아하는 화가 폴 들라르슈의 <젊은 순교자>도 만날 수 있습니다. 내셔널갤러리의 대표작 <레이디 제인 그레이의 처형>의 화가는 또 한 여인의 죽음을 묘사합니다. 로마 황제 디오클레티아누스의 통치하에 박해를 받은 여인을 그린건데요. 테베레 강물에 잠긴 죽은 여인의 모습이 처연합니다. 그는 1845년 아내를 잃은 후, 여인의 순교를 반복적으로 그렸다고 합니다.
명작들의 숲을 거닐다 보니, 프랑스의 근현대사를 자연스럽게 공부하게 되더군요. 돌이켜보니 제 첫 출장은 루브르 박물관이 청소년 대상 무료 입장 정책을 발표했을 때, 미술관의 교육적 역할에 관한 취재였습니다. 이른 아침 그랑 갤러리를 찾았을 때 귀여운 유치원생들이 프랑스 회화 앞에서 병아리 같은 손으로 그림을 그리던 모습이 생생하게 기억납니다. 프랑스는 정말 풍요로운 나라입니다. 음식도, 와인도, 패션도 부러움의 대상이지만, 가장 부러운 건 루브르 박물관입니다.
카라바조의 걸작이 루브르 박물관에 오게 된 이유
Caravaggio [La Mort de la Vierge], 1601/06 ⓒMusee du Louvre
5월의 파리를 찾은 가장 큰 이유는 루브르 박물관의 모든 그림을 낱낱이 보고 싶어서였습니다. 그런데 이 여행에는 한가지 목적이 더 있었습니다. 저는 10시간을 이 공간에서 보내고 2만보를 걷고서, 녹초가 되어 종착지에 도착할 수 있었습니다. 바로 카라바조의 <동정녀의 죽음>(1601/06) 앞입니다.
루브르 박물관에는 카라바조의 작품이 세 점 걸려있습니다. <점쟁이>와 그의 도피시절에 몰타의 기사단장을 그린 <알로프 드 위냐크로의 초상>을 만날 수 있죠. 기사단장의 옆에는 <동정녀의 죽음>이 걸려있습니다. 높이가 3.7미터에 달하는데, 성당 제단화로 그려졌던 대작입니다.
성모의 시체를 둘러싸고 애도하는 사도와 마리아 막달레나의 비통한 표정은 입체적이고 원형의 구도는 무척 연극적입니다. 눈앞에서 마주한 그림의 암부(暗部)는 정말 어둡게 묘사되어서, 성모를 비추는 한줄기 빛은 존재감이 더 도드라져 보였습니다.
이 그림의 전례 없는 사실주의는 당대에는 엄청난 논란을 일으켰습니다. 죽은 성모의 모델은 테베레 강에서 익사한 창녀였고, 배는 부풀고 팔은 늘어져 있어 부패하고 있음을 보여줍니다. 벗겨진 발바닥은 더러워져 있죠. 성모를 인간으로 묘사한 불경함에 경악한 로마 산타 마리아 델라 스칼라 성당은 제단화의 인수를 거부합니다.
주인을 찾지 못한 이 그림은 루벤스가 카라바조의 최고작이라 극찬하면서 만토바 공작 빈첸초 곤차가(Vincenzo Gonzaga)가 소장하게 됩니다. 이후 1627년 영국 찰스 1세의 손에 들어갔다가 프랑스 루이 14세가 1683년 구매하면서 왕립 컬렉션에 포함되죠. 17세기 로마를 여행한 전유럽의 화가들이 이 그림을 만날 수 있게 된 겁니다.
카라바조의 화풍이 완성 단계에 이른 사실적 묘사와 극적인 명암 대비는 벨라스케스, 렘브란트 등 17세기 유럽 미술 전반에 막대한 영향을 미쳤습니다. 바로크 회화의 혁신은 이 그림에서 시작됐습니다. 당대에는 불화했지만, 카라바조는 성모의 죽음이란 종교적 소재를 통해 ‘성과 속’의 경계를 허물어 버리고 종교화의 새로운 지평을 연 작가가 되었습니다.
루브르 박물관의 천재들의 그림 속에서 카라바조는 어쩌면 특별하지 않을 수 있습니다. 귀도 레니와 안토니오 카라치의 묘사가 더 탁월해보일 수도 있죠. 하지만 수많은 사람들이 스쳐 지나가는 가운데도 저는 그럴 수 없었습니다. 저의 발을 멈추게 하는 그림이었거든요. 어쩌면 루브르 박물관에서 기억하게 될 단 한 점의 그림은 <동정녀의 죽음>일 것 같은 예감이 들었습니다.
이야기는 끝나지 않았습니다. 파리를 찾은 5월 초를 시작으로 곧이어 저는 이탈리아 로마와 나폴리를 차례로 다녀왔습니다. 5월 한 달간 저의 ‘카라바조 기행’은 이 그림과의 만남에서 시작한 겁니다. 루브르 박물관의 종착점은 마지막 여행의 시작이었죠. 제가 런던에서 쓰게 될 마지막 편지 세 편은 ‘카라바조 3부작’이 될 예정입니다.
런던에 살면서 유럽 미술관 도장 깨기를 하고 있습니다. 매일경제신문 김슬기 기자가 유럽의 미술관과 갤러리, 아트페어, 비엔날레를 찾아가 미술 이야기를 매주 배달합니다. 뉴스레터 [슬기로운 미술여행]의 지난 이야기는 다음 주소에서 만날 수 있습니다. https://museumexpress.stibee.com
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